Milwaukee-based dynamic duo The Pulltops have once again captured the essence of resilience and emotional depth with their latest release, “Here We Are.” This energetic anthem marks a significant milestone […]
Amber Patiño bursts onto the music scene with her electrifying new single, “HHH,” released just as the New Year 2023 dawned in Dallas, TX. This dynamic track is more than
Belgian-born composer Didier Recloux is poised to enchant listeners with his newest single, “First Walk,” slated for release on February 28th, 2024. Accompanied by a visually compelling music video, the
ブロンディは、ボーカリスト兼ソングライターのデビー・ハリー、ギタリストのクリス・スタイン、ドラマーのクレム・バーク、キーボーディストのジミー・デストリ、ベーシストのゲイリー・ヴァレンタインとナイジェル・ハリソン、ギタリストのフランク・インファンテで構成され、アメリカのパンクロックシーンで際立った成功を収めたバンドです。1975年のCBGBシーンから登場し、同世代のバンドの中で唯一、No.1ヒットシングルとトップ10アルバムを達成しました。彼らは、ロックンロールのエッジを保ちながらポップヒットを作り上げ、ハリーのストレートかつミステリアスな歌詞が特徴です。ブロンディはディスコが論争になる前にそのジャンルを取り入れ、ラップがまだ始まったばかりの頃に初期のラップのパイオニアたちとつながりを持ちました。また、独自のビジュアルスタイルを育み、スタイリッシュな古着の着こなし方で次世代に影響を与えました。 ニュージャージーで育ったデビー・ハリーは、自分の居場所を見つけるためにニューヨーク市に移り住みました。マックス・カンザス・シティでウェイトレスをしたり、プレイボーイバニーとして働いたり、フォークグループ「Wind and the Willows」で短期間歌ったりするなど、様々な仕事を経験しました。しかし、彼女はマーサー・アーツ・センターのグラムシーンに強く惹かれていました。そこで、彼女は「Stilettos」というバンドを結成し、クリス・スタインと出会いました。彼らはバンドを離れて「Blondie and the Banzai Babies」を結成し、やがてハリーが受けた野次にちなんで「Blondie」に名前を短縮しました。 Blondieの初の包括的アーカイブコレクション『Against the Odds』は、彼らの重要な時代を様々な形式で収録しています。スーパーデラックスコレクターズエディションには、最初の6枚のスタジオアルバム、未発表音源やレアリティーズを収めた4枚のレコード、新しいインタビューを含むライナーノーツ付きの書籍、120ページにわたる注釈付きディスコグラフィー、その他のボーナスが含まれています。すでにアルバムを所有している人には、詳細なライナーノーツ付きで、レア音源のみを収録したバイナルまたはCDのオプションも提供されています。このアプローチは、バンドの遺産を大切にするもので、ライナーノーツの冒頭で「Blondie Nation」に初めて言及されたこともその証です。 かつてバンドは「BLONDIE IS A GROUP!（ブロンディはグループだ！）」というプロモーションバッジを配り、自分たちがソロアクトのバックバンドではなく、集団であることを強調していました。彼らはBrill Building時代のガールグループや1960年代のポップを愛し、それらの影響をパンクロックのDIY精神で再解釈しました。 1976年のデビューアルバムは、彼らのサウンドを確立しました。60年代のポップへのオマージュ、鮮やかな歌詞、態度、ビジュアルスタイル、ユーモア、そして音楽的才能が特徴です。その後のアルバムは、この基盤の上にさらに築かれました。ボックスセットに収められたレア音源は、この進化を際立たせています。たとえば、「Heart of Glass」は当初レゲエ調の試みから始まり、最終的にはディスコロックの形に進化しました。この曲のデモ版では、ロックのルーツが垣間見えます。同様に、「Call Me」はジョルジオ・モロダーと共同制作され、映画『アメリカン・ジゴロ』のサウンドトラックに使われましたが、ロックとディスコの影響を融合させています。「売り渡した」との批判を受けたこともありましたが。 1979年の『Eat to the Beat』は、「Call Me」の陰に隠れがちですが、「Dreaming」「Atomic」「Union City Blue」などのヒット曲や、過小評価されているファンクトラック「The Hardest
Shiloh, Forever, the musical alter ego of introspective 25-year-old artist Matthew Roers, invites listeners into his dreamlike realm once again with the release of his latest single, “The Man After
In the ever-evolving realm of hip-hop, new talents frequently emerge, bringing fresh perspectives and innovative sounds. One such rising star is TRE K, whose latest single, “Coldest Veins,” is capturing
ボーカルのジェイコブ・スレーターを中心とするインディーズの4人組バンドは、過去1年で大きな変化を遂げました。ソロプロジェクトとして始まったものが、ツアーでの共通の経験と進化する音楽的なケミストリーによって、結束の強い一体感のあるグループへと成長しました。ロンドンのキングス・クロスにある静かなカフェで、ジェイコブ・スレーターはギタリストのハリー・ファウラー、ドラマーのジェイミー・ステイプルズと共に、彼らの歩み、新しいアルバム『Midas』の制作、そしてツアー生活の中で直面する困難について語り合います。 インタビュアー: ジェイコブ、Wunderhorseはもともとあなたのソロプロジェクトとして始まりましたが、途中で何かが変わったように見えます。これが単なるあなたのプロジェクト以上のものであり、バンドだと感じた瞬間について話していただけますか？ ジェイコブ・スレーター**: そうですね、どんな関係でも「これが本物だ」って気づく瞬間があるんですよね。単なる付き合いではなく、実際に特別な関係になっているって感じる瞬間が。僕たちにとって、その瞬間は去年のツアー中に訪れました。Wunderhorseはもともとソロプロジェクトで、バンドのメンバーはステージやスタジオでサポートしてくれる雇われのプレイヤーという位置づけでした。でも、一緒に演奏する機会が増えて、ギグを重ねる中で、自然とケミストリーが生まれたんです。気づいたら、ただのフロントマンとセッションプレイヤーたちじゃなくて、バンドとして、ちょっと奇妙で機能不全な家族のような感じになっていたんです。そういう一体感を持てたことが、すごく力強いものに感じられました。 インタビュアー: ハリー、あなたはジェイコブと10代の頃から一緒にいますが、この変化をあなたも感じましたか？ ハリー・ファウラー: もちろんです。ジェイコブと僕は14歳の時からの仲で、学校の他の人たちへの反感と音楽への愛で絆を深めてきました。レッド・ツェッペリン、パール・ジャム、ニルヴァーナに夢中でした。ジェイコブがWunderhorseのためにみんなを集めたとき、何か親しみを感じましたが、去年アメリカツアーをした時に何かが変わったんです。おかしいですよね、‘Cub’がデビュー作ではあるけれど、‘Midas’は僕たち全員にとって本当のスタートのように感じるんです。もうこれはジェイコブのプロジェクトじゃなくて、僕たち全員のものなんです。 インタビュアー: 『Midas』は『Cub』とは大きく対照的ですね。この新しいレコードに、皆さんの経験がどのように影響を与えたのでしょうか？ ジェイコブ・スレーター: 『Cub』は僕が一人で書いたもので、今振り返ると、少し整いすぎていて、型にはまりすぎていた気がします。バンドで演奏することで生まれるあの荒々しさや即興性が欠けていたんです。でも『Midas』は、全員が貢献しているからこそ、エッジが効いているんですよ。その強烈さは、僕たちが育ってきたグランジバンドの影響が自然に音に染み込んでいて、特に『July』のような曲には、その暗い部分が反映されています。 インタビュアー: 特にその曲は非常に強烈ですね。当時、何があったのでしょうか？ ジェイコブ・スレーター: 詳しくは話しませんが、個人的な問題やプロとしての困難が重なっていた時期でした。ツアー中はスピードが速すぎて、自分がどれだけのプレッシャーを受けているか気づかないまま進んでしまうんです。昨年は、いくつかの大きな公演をキャンセルして自分たちをケアする必要がありました。それは簡単なことではありませんが、時には一歩引いてお互いを大事にしなければいけないんです。誰も代わりにそれをやってくれませんから。 ジェイミー・ステイプルズ: そうですね、僕たちは両端からキャンドルを燃やしているような状態でした。ツアーはとてもハードで、裏で起きていることも含めて、すべてが重なりすぎていました。そのブレイクを取るのは正しい判断でした。 インタビュアー: 現在、音楽業界ではツアーがミュージシャンに与える負担について多くの議論があります。休む決断をするのは難しかったですか？ ジェイコブ・スレーター: 難しい決断でしたが、数年前よりは状況が良くなっています。音楽業界が人々を病ませることはよく知られています。厳しい環境なので、賢く立ち回る必要があります。自分のメンタルヘルスを守らなければなりません。サム・フェンダーやヤード・アクトのようなバンドが必要な時に休んでいて、今はそうした行動に対しての反応も以前よりずっとサポート的です。 インタビュアー: ジェイコブさんは、ダニー・ボイル監督の『Pistol』でポール・クックを演じるなど、演技の世界にも挑戦されていますが、バンド活動とはどのように比較されますか？ ジェイコブ・スレーター: 演技は面白かったですが、居心地が良いとは感じませんでした。音楽業界も確かに不誠実なところはありますが、演技の世界に比べればまだマシです。あの世界は、また奨学金を受けて入った学校に戻ったような感じでした。誰が本当の友達で、誰がただ利用しているだけなのか分からない。素晴らしい人たちにも会いましたが、有名人の世界は本当にうんざりしますね。でもWunderhorseは違います。このバンドこそが、僕が本当にいるべき場所だと感じます。 インタビュアー: これまでの経験を経て、Wunderhorseの未来をどう見ていますか？ ジェイコブ・スレーター:
In director Sam Taylor-Johnson’s “Back to Black,” the portrayal of Amy Winehouse raises one resounding question: What kind of chaos is this? With Marisa Abela stepping into Winehouse’s shoes, the
American pianist and composer Jonathan Grow has released his highly anticipated EP, “Devenir,” marking the third and final installment of his latest trilogy, aptly titled “3.” This collection, composed of
Indie artist Anoush makes a triumphant return to the music scene with her latest single, “Brave Girl,” a captivating fusion of jazz and pop that delves into themes of awakening
